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錄像作品拍出了什麼?

文|蔡宗祐(碎片港觀察員)

最近在展場中,好像單純以錄像呈現的作品變少了。應該是創作者除了在作品外,也非常注重在展場中呈現的樣貌。記得比較早時,錄像作品的展場都要用布幕遮光,隔成一個黑漆漆的空間,觀眾就是坐在凳子上安靜地度過幾分到幾十分鐘地將作品看完。全黑的展場似乎無法再滿足藝術的推陳出新,不同的媒體螢幕並置,錄像裝置、木作、文件、展示檯、展示桌等,這些東西與錄像作品一起呈現出創作者所關心的議題。

在進入錄像作品之前,我們先將場域拉出來看。2000年 以後臺灣的藝術潮流幾經轉折的轉變。從動漫藝術、無厘頭小感覺、全球化、關係美學、國族歷史、人類世、大南方,這樣簡單的分類不得不說是有點簡單與主觀,主要是從發生在臺灣的雙年展或大型策展帶動的藝術強勢話語權。

我們看錄像作品,不是在看拍下了什麼,而是看拍出了什麼。然而,創作者在創作的時候不只是要去抓住外在給出的感受,也在跟自己腦袋中的資料——那些充滿在腦袋中跟鏡頭中的制式化、公式化、策略化的資料搏鬥。觀眾在看作品的時候,也不只是進入作品給出的敘述,也還在跟自己腦中的資料檢核比較。觀眾究竟是要去重溫那些已經被告知、已習慣、無負擔的看展氛圍,去看看「已知」,或者是去看到「事件」。評論必然是靠著作品,但究竟仍是與報導不同。不是完全依附在作品表面,而是與作品保持一段距離,思考從作品出發,又揭露出作品後面的不可見。「當代藝術就是對於現實世界的提問」,雖然這句話不知道是出自哪裡(也許是從哲學是對世界的提問引用過來),但好像我們很常聽到,不管是在座談、作品討論或是文章。既然當代藝術是一種提問,那麼創作者或觀看者,是否在創作、在展場時也是以提問的姿態來檢驗呢?所以,當觀眾被告知作品涉及的議題之後,是否有嚴格檢驗創作者究竟是以怎樣的提問出發呢?是對現實世界或藝術政治的提問批判,或是淪為本土意識下「愛臺灣」的口號。說到這裡,以本土題材為出發的作品變多了,這裡頭有創作者自我認同的提升,當然也有議題正確的依附。形成的原因是諸多方向的匯合,也很難用一刀切開分兩邊的絕對判斷。然而,這類議題的作品除了將土地拍得「波瀾壯闊」、「寧靜高遠」,這類在環境面前或在地質時間之下,人顯得渺小短暫,只能在心裡說:「好美喔」,或者是在展場「遙想當年」的懷舊,這樣「洗藝術」意思到了就好的打卡狀態。雖然本土關懷一直是這幾年臺灣的熱點題材,但我認為以土地文化為題材的創作是比政治議題困難多了。除了身分是否合適,一不小心就容易犯了不尊重、歧視、偏見的錯誤而遭受批評,本來應該是對世界展現出批評姿態的創作者,反而成為社會輿論的批評對象。呈現土地之美、土地之感性的作法就顯得安全多了。當創作的出發點是這樣,剩下檢驗作品的內部世界便更為嚴苛,我認為不少這類題材的錄像創作者忘了必須要對「影像」有所挑戰,不以走出舒適圈(不是拍攝環境的舒適,是影像作品歷史堆疊出來的既定安全區域,有些在野外拍攝的作品,環境是不舒適的,但題材或企圖、甚至手法在藝術環境卻是舒適的)為企圖,而是追求呈現出臺灣之美、臺灣之殤的道德意識影像,讓觀眾感覺到「碰觸到臺灣」的某一部分了,就不好再檢視下去了,結果是只能按讚、不能批評,如果不看,就是不愛臺灣。我們只能在展場的幾分鐘反省自己是否不關懷這片土地,感嘆著「人是地球上最應該消失的生物」。

錄像作品究竟拍出了什麼?不知道我們在展場看作品時,還會在我們腦中提問一下嗎?

 

PS 開頭附圖為筆者所拍攝短片《轉轉》截圖

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