文、圖｜ 吳尚青（碎片港觀察員）

談到當代繪畫時，我們總是不免感嘆，繪畫還有什麼可能性？裝置、觀念、行為、新媒體都在顯示，繪畫在當下的內涵，需要被重新認識，而蔡獻友的作品，為我們展現了繪畫如何在當代探索的一條路徑。

2022 年 12 月起在屏東南州的水林藝術空間，蔡獻友展出了近期作品。水林藝術空間是屏東戰後藝術家蔡水林的故居兼工作室，蔡水林在此培養出謝德慶、卓有瑞等著名藝術家，舉辦南洲美展，他本人也從油畫跨越到水泥、紙漿等媒材實驗，蔡水林的子女也繼承遺志，繼續在地方上耕耘，邀請對材質實驗等感興趣的藝術家展出。

蔡獻友畢業於國立藝專，成名甚早，1980年代便曾以「墨結晶」系列，獲得雄獅美術新人獎。早期作品中，墨不只是水墨的媒材，而是以現代藝術的批判性，還原「墨」作為物質的實驗性。儘管當時的評審仍將之列為革新水墨的路徑之一，但蔡獻友顯然對現代藝術的想法，早已懷有破格的企圖。

蔡獻友受到 2017、2019 年兩度赴西藏的神秘經驗的啟發。在青康藏高原上，體驗到高山湖泊水面的風光，啟發他對於繪畫平面性的思考。如同馬列維奇的第一張單色畫《黑色方塊》，完成不久後就產生龜裂，顏料底層之下有如幽靈一般露出輪廓，他說這是「一片只能感覺到沙漠的沙漠」。

回到自然，是現代藝術長久以來的命題，蔡獻友前一階段的創作，便以植物作為主題。這看似違反現代藝術從具象到抽象的簡化法則，其實應該說，是以抽象／具象的來回辯證，反思藝術線性的演化歷史，進而從繪畫的框架中解放出來。

概略來說，繪畫分為「圖形」（正空間）和「基底」（負空間），這種「圖形 vs. 基底」的二元配置，長久以來讓人們過度關注圖形的再現內容，忽略了對於基底的感知經驗。而蔡獻友的繪畫，從感知與認知的交互作用出發，打破「圖形 vs. 基底」的二元配置，促成觀眾同時關注正空間和負空間，領會顏料或物質在某種空間的流動和質性，正是在這基礎上，打破再現的幻覺空間，而這個空缺（或「虛空」）上，也讓表層的存在，被賦予了重要的價值。

從神經科學的角度來看，觀賞繪畫是一段感知與認知的相互關聯過程。觀看作品時，也是用身體「感知」的視覺作用，也是大腦皮質運動與感知藝術之間的精神狀態。這種無意識、前意識的具身化過程，使得非具象的基底，有如探知存在的基礎，產生了深刻的精神或心理意味。從蔡獻友的繪畫中，可以看到塗繪行為的潛能或潛勢（potential）。無論是色彩、肌理、疊層、添物等，都是在喚起一種既是暗示性的空缺，也在探問存在的基礎或生命的本源，作為藝術家從繪畫回歸創作的初心與原點，即蔡獻友所說的「回到野地」。

因此，對於蔡獻友來說，繪畫與媒材的還原，不再是80年代臺灣美術界附加在媒材之上的民族或符號論述，而是從當代觀點，勇於探討物質性、非物質性，甚至以「去物質化」的觀念與行為，質問未來的繪畫如何可能。這種回歸物的原始狀態、回歸根源的渴望，不同於現代主義的還原論（reduction），而是從與物相遇、與自然相遇，甚至「與存在相遇」，漸漸逼近繪畫的零度，深入藝術家生命的內在性。

透過回到起點，蔡獻友從自然、原始、野性的物質觀出發，從物的裡層與皺摺，開展出他個人繪畫創作的當代性，我們也可從這些材質本身就蘊含的地方性，超越克服原本附加在媒材上的地方論；與地方相遇，這也是接下來蔡獻友創作更讓人期待的發展。